-COMPOSICIONES Y OBRAS DE ARTE-
*Por Manolo Toro, Carmen Anaya, Magdalena Martínez y Elena Calvo.
La composición: Manera en que están dispuestas las figuras representadas en una fotografía, pintura o escultura.
Nosotros vamos a trabajar con los siglos XVII-XVIII, por tanto, analizaremos obras barrocas, como son, por orden:
Elena Calvo: Martirio de San Bartolomé, La Piedad y Combate entre mujeres; todas ellas de José de Ribera.
Magdalena Martínez: Las Hilanderas (Velázquez), La Resurrección (El Greco) y la Liberación de San Pedro (Murillo)
Carmen Anaya: Las Tres Gracias (Rubens), Cristo en la Cruz (Zurbarán) y Judith y Holofernes (Caravaggio)
Manolo Toro: Fachada de la Catedral de Santiago de Compostela (autor anónimo), El rapto de proserpina (Bernini) y Cristo de la Expiración (Marcos Cabrera)
-
-
-
-
-
Martirio
de San Bartolomé. ELENA CALVO MATOS
Este es el Martirio de San Bartolomé, de
José de Ribera, pintado en el año 1644, perteneciendo por tanto al Barroco y
que se encuentra en el Museu Nacional d’Art de Catalunya.
Orientación vertical, formato
rectangular.
En esta obra existe una zona de mayor
peso visual, que se encuentra en la parte inferior mayor pero visual está cerca del suelo
(gravedad).
En cuanto a pasado presente y futuro se
puede entender que el pasado es la persona de la izquierda y la pierna, que
representa a las cosas malas que hizo en el PASADO y que está siendo torturada.
El presente es el centro, coincidiendo con la mayor zona del cuerpo, siendo
éste el que va a sufrir ahora por lo que hizo en el PASADO, como ya se ha
comentado antes. El FUTURO (zona de mayor peso visual) se muestra en la cara de
San Bartolomé, que muestra con expresiones el dolor que va a sufrir, lo que le
espera.
En cuanto a posición se presenta una
inestabilidad debido a que el signo de mayor peso visual está desplazado a la
derecha.
En cuanto a ``relación figura y fondo´´
cabe destacar que se le da importancia a la figura de San Bartolomé dándole al
fondo colores apagados y oscuros, que hacen destacar al cuerpo.
Si nos centramos en orientación y
equilibrio, se observa una línea diagonal ascendente marcada por los brazos y
cabeza de San Bartolomé, dando una sensación de inestabilidad y movimiento.
En cuanto a dimensión, hay poca
perspectiva y el peso visual lo tienen las cosas que están representadas más
cerca.
Hablando del color, predominan los
colores fríos y poco saturados, y el cuerpo principal destaca gracias a los
colores ocres y la luz que impacta directamente como si fuese un foco.
Denotación: Se presenta el Martirio de
San Mateo, es un óleo sobre lienzo y pertenece al barroco (pintado en el año
1644). La pintura ilustra un argumento de martirio y tormento físico. El
apóstol Bartolomé, casi
desnudo, mira indefenso hacia nosotros, mientras un verdugo embriagado lo
desuella con entusiasmo sádico. Por el suelo, una escultura clásica, que se
debe identificar con el dios Baldach, y en el
fondo, dos sacerdotes con la cabeza cubierta actúan como testigos del suplicio.
Connotación: Parece que estas personas que están martirizando
a San Bartolomé no estaban de acuerdo con las ideas que defendía el Santo. Imagino que las dos personas que se
encuentran sobre él lo van a martirizar y están hablando entre ellos para ver
qué pueden hacerle. Se puede identificar como estereotipos de antagonistas los
que van a torturarlo y como de estereotipo de santo a San Bartolomé.
No presenta simetría axial, ni ley de la balanza, ni
compensación de masas ni composición aurea lo que hace que sea una pintura poco
estable, con dinamismo, típico del Barroco.
La estructura es cerrada en forma de cuadrado.
Presenta forma en aspa
Y por último, presenta equilibrio
cromático, porque resaltan más los colores del cuerpo principal, pero los tonos
apagados del fondo lo compensan.
La Piedad ELENA CALVO MATOS
Esta es La Piedad de José de Ribera,
pintada en el año 1633 y que pertenece, por tanto, al Barroco.
Orientación horizontal, formato
rectangular.
En este cuadro, la zona de mayor peso
visual se encuentra abajo, siendo el cuerpo de cristo, y haciendo que se cumpla
la gravedad e ingravidez, ya que la zona de gravedad es el suelo, y en él se
encuentra la zona de mayor peso visual.
En esta pintura, se entiende como pasado
la persona que le está besando los pies, presente la mujer que llora su muerte
y futuro la que está mirando enojada a todo el tiempo pasado, signo de que así
pierden el tiempo porque no tiene remedio.
La figura es inestable, porque el signo
visual de mayor peso está desplazado hacia abajao, correspondiendo con el
cuerpo tumbado.
En cuanto a relación entre figura y
fondo, se le da mucha más importancia al cuerpo quitándole importancia al fondo
pintándolo de un color neutro.
En cuanto a orientación y equilibrio, se
observa una línea horizontal, que está marcado por la figura tumbada.
Hay poca perspectiva, ya que no hay
objetos que la marquen, dándole importancia a lo que está más cerca, el cuerpo.
Dominan los colores fríos y poco
saturados, pero sobre todo, el color pálido de la muerte, representado en el
cuerpo yacente.
Denotación: La Piedad es un cuadro de José
de Ribera, «El Españoleto», pintado al óleo sobre lienzo y con unas
dimensiones de 157 x 210 cm. Firmado y datado en 1633, actualmente se conserva
en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. El cuerpo de Cristo en horizontal es quien enmarca al resto de
personajes en la obra. A la derecha Juan el
Apóstol sujeta la espalda del yacente mientras que a sus pies, María
Magdalena se los besa con aflicción. En el centro, velada por la técnica
del claroscuro, nos
muestra una María con
un rostro destrozado por el dolor que mira al cielo mientras junta las manos en
una plegaria. Finalmente, al fondo a la derecha, se aprecia el rostro de José de
Arimatea. El foco de luz de la composición se centra sobre el cuerpo yacente
dándole una apariencia de estatua marmórea que lo realza consiguiendo
transmitir de manera magistral tanto el dolor físico de sus heridas
(especialmente la de su costado) como el dolor anímico expresado en su rostro y
la laxitud de su cuerpo.1
Connotación: Interpreto que Cristo está muerto los demás lloran su
muerte, me da una sensación de tristeza.
No tiene simetría axial, ni ley de la balanza, ni compensación de masas
ni composición aurea, lo que hace que sea una pintura libre, poco estable y con
dinamismo, típico del Barroco.
Es una estructura abierta en forma de V y presenta forma en cuña.
Combate de mujeres ELENA CALVO MATOS
Esta obra se llama Combate de mujeres y pertenece a José de Ribera,
datada en 1636, perteneciendo al Barroco.
Presenta una orientación vertical, con formato rectangular, casi
cuadrado.
La zona de mayor peso visual se encuentra a la derecha de la pintura,
correspondiendo con la mujer vestida de amarillo, y cumpliendo con la gravedad
e ingravidez, es decir, el mayor peso visual se encuentra en el suelo, o cerca
de éste.
El recorrido que
hace nuestra vista sobre la pintura es en diagonal, y descendente, de derecha a
izquierda. Nuestros ojos captan primero la señora que está con la espada,
gracias al color de sus ropajes y a la misma acción que está llevando a cabo, y
después nuestros ojos viajan hasta la mujer que está en suelo, porque queremos
saber a quién va a apuñalar la otra mujer.
Es una obra en la que la figura es
inestable, porque el signo de mayor peso visual no está en el centro, sino que
está un poco desplazado a la derecha.
Hay relación entre figura y fondo porque
Ribera pinta a varios personajes que hacen presencia en la escena y participan
como testigos, es decir, coloca un escenario a la escena principal que se
desarrolla en primer plano.
Orientación y equilibrio: Línea oblicua
ascendente, desde la mujer que está en el suelo hasta la mujer de amarillo, y
viceversa.
En cuanto a la dimensión, se marca un
poco de perspectiva gracias al fondo, en el que aparecen personajes con
dimensiones más pequeñas, para marcar la profundidad. El peso visual se sitúa
delante, lo más cerca.
Dominan
los colores cálidos y terrosos, pero poco saturados.
Denotación: Combate de mujeres es una pintura
de José de Ribera realizada en óleo
sobre lienzo. Se conserva en el Museo del Prado en Madrid. Se representa un episodio
legendario ocurrido en Nápoles en 1552: dos mujeres, Isabella de Carazzi y Diambra de Pottinella, en presencia del Marqués del Vasto, se retan a
un duelo por el amor de un hombre llamado Fabio Zeresola.
Connotación: Esta obra me recuerda a las luchas de mujeres en
la antigüedad, pienso que es un tema no común porque se solían representar
guerras y luchas, pero entre hombres. Esta obra me provoca sensación de
venganza.
La pintura no presenta simetría axial ni ley de la balanza,
pero sí presenta compensación de masas, ya que la figura grande de la derecha
se compensa con las otras figuras, que, aunque sean pequeñas, una sobre la
otra, el conjunto, consiguen llegar al tamaño de la figura de amarillo.
Presenta una estructura cerrada en forma de triángulo.
Hay equilibrio cromático
debido a una misma gama de tonos ocres.
LAS HILANDERAS DE VELÁZQUEZ. MAGDALENA MARTÍNEZ MORÓN
Esta obra es conocida como Las Hilanderas
de Diego Velázquez, pintada en 1657, perteneciente al Barroco y se encuentra en
el Museo del Prado en Madrid.
Orientación horizontal, formato
rectangular.
En esta obra existe una zona de mayor
peso visual, la cual es la zona de la izquierda, en las dos mujeres que están
cerca de la rueca. Acto seguido, el recorrido visual se dirige a las dos
muchachas que se encuentran en el extremo derecho, hilando, teniendo un gran
peso visual, pero no tanto como las dos muchachas de la extrema izquierda. Y
por último la muchacha del final, con muy poco peso visual.
En cuanto a pasado presente y futuro se
entiende que las dos muchachas de la izquierda son el pasado ya que están
preparando el hilo para ser hilado, el presente es la muchacha del medio ya que
está perfeccionando el hilo para ser hilado, y el futuro las dos chicas del
extremo derecho que están haciendo el hilado con el hilo que la muchacha (que
se haya en el presente) les está pasando.
En cuanto a posición se presenta una
inestabilidad debido a que el signo de mayor peso visual está desplazado a la
izquierda
En cuanto a ``relación figura y fondo´´
cabe destacar que se le da importancia a la figura de las dos muchachas de la
derecha, por ese movimiento de la rueca, que hace que toda la obra en sí
parezca que está en movimiento, e incluso las dos muchachas de la derecha ya
que también están mostrando movimiento con las manos y el hilo. Podemos hablar
también de otras figuras, que están en un segundo plano, esto se diferencia
fácilmente por un mayor uso de pincelada suelta, sobre todo en la cara de la
muchacha del medio.
En cuanto a dimensión, hay bastante
perspectiva, ya que encontramos una habitación principal, donde surge la acción
también principal, y una segunda estancia, más al fondo, donde encontramos a
varias damas observando un tapiz. El peso visual lo tienen las cosas que están
representadas más cerca.
Hablando del color, predominan los
colores calientes y poco saturados, y el cuerpo principal destaca gracias a los
colores vivos.
Denotación: En la imagen podemos mostrar
a unas jóvenes hilando, he ahí el por qué del nombre de las hilnderas. Verdaderamente
hace referencia al mito de Aracne, el cual cuenta que Aracne se creía la mejor
tejedora entre todos y retó a la mismísima Atenea. La Diosa sin mucha duda
aceptó aunque el mismo día de la competencia, Atenea decidió darle una
oportunidad y se convirtió en una anciana para decirle que la advirtió de que
se comportara mejor y tuviera más respeto ante la Diosa, pero Aracne la ignoró
y Atenea se enfadó, se mostró ante Aracne y la castigó convirtiéndola en araña.
Connotación: La pintura enseña a jóvenes preparando el hilo
para hilar lo que podría ser un tapiz. Pero podemos ver una gran crítica
social, sonde vemos a muchachas trabajando en una habitación un poco pobre y
cutre, equipada con lo necesario para trabajar. En cambio, vemos al fondo otra estancia,
donde los colores y la luz, y sobre todo las mujeres que en ésta aparecen, con
lujosos vestidos, muestra la riqueza que hay y que sólo ese tipo de personas
pueden visitar esa estancia, y vestir así.
Presenta una composición ovalada.
LA RESURRECCIÓN. MAGDALENA MARTÍNEZ MORÓN
La
resurrección de Cristo es una obra de El Greco, pintada en el período 1597-1604
para el retablo de doña María de Aragón. Este lienzo mide 272 cm de alto y 127
cm de ancho. Se guarda en el Museo del Prado, Madrid, en España.
Orientación vertical, formato
rectangular.
En esta obra encontramos un objeto de
gran peso visual, ese es Cristo, y los demás son expuestos en planos más
secundarios.
En cuanto a pasado presente y futuro se
entiende que el pasado es la zona de abajo, donde vemos cómo acaban de morir,
el presente es la parte del medio puesto que es la transición entre la muerte y
la llegada al cielo, y por último el futuro, donde encontramos a Cristo, como
la llegada a la nueva vida.
En cuanto a posición se presenta una inestabilidad
debido a que el signo de mayor peso visual está desplazado hacia arriba.
En cuanto a ``relación figura y fondo´´
cabe destacar que se le da importancia a la figura de Cristo por encima de las
demás.
En cuanto a dimensión, no encontramos
perspectiva puesto que el fondo no es visible.
Hablando del color, predominan los fríos
en contraste a los calientes de las túnicas.
Se ve la profundidad muy bien marcada
gracias a la iluminación, un gran foco que da directo en Cristo.
Denotación: Aparece en la imagen, Cristo, sublime y
poderoso, en contraste con los demás personajes, que aparecen caídos,
moribundos y con gestos de súplica
Connotación:
La composición es vertical, haciéndola más espiritual.
LIBERACIÓN DE SAN PEDRO MAGDALENA MARTÍNEZ MORÓN
Esta
obra es conocida como la Liberación de San Pedro, pintada por Murillo en 1514.
Esta
obra es horizontal y cuadrada.
El
mayor peso visual reside en el ángel, y el recorrido visual sigue hasta San
Pedro.
En
cuanto a pasado, presente y futuro, lo distinguimos de la siguiente manera:
Pasado
es el extremo izquierdo donde aparece principalmente la mano de San Pedro,
apoyado en una mesa, donde refleja el hecho de que él cría que estaría ahí para
siempre.
Presente
es el medio, donde hay una transición entre la prisión y la libertad dada por
el ángel
Futuro
es el extremo derecho, donde principalmente destaca la imagen de la mano del
ángel, que le está mostrando la salida, en señal de que lo acompañe.
En cuanto a posición se presenta una
inestabilidad debido a que el signo de mayor peso visual está desplazado hacia
la derecha
En cuanto a ``relación figura y fondo´´
cabe destacar que se le da importancia a la figura del ángel por encima de las
de San Pedro
Denotación: Aparece un ángel,
sosteniéndole el brazo izquierdo a San Pedro.
Connotación: Le muestra la liberación, y
San Pedro lo mira con cara de sorpresa, nervios, admiración e incluso miedo.
En cuanto a dimensión, encontramos algo
de profundidad ya que podemos distinguir algo de fondo
Hablando del color, predominan los
cálidos por encima de los fríos, predominando el ocre.
Se ve la profundidad muy bien marcada
gracias a la iluminación, un gran foco que trae consigo el ángel.
LAS
TRES GRACIAS CARMEN ANAYA RGUEZ
Se
trata de Las tres gracias, un cuadro al óleo sobre lienzo del autor Pedro Pablo
Rubens. Pertenece al Barroco. Podemos encontrar que los colores son brillantes,
cálidos y luminosos y que al fondo se encuentra un paisaje difuso, justo detrás
de la línea de horizonte. La composición es simétrica donde la gracia del medio,
la zona de mayor peso visual, actúa como eje central, creando una composición
triangular llena de múltiples curvas, lo que crea un mayor dinamismo en la
escena. Las figuras se ven armoniosas en ese orden, no hay ninguna
jerarquización, están todas a la misma altura. Tienen una posición natural, una
característica del autor es el dinamismo y movimiento de sus figuras.
CRISTO EN LA CRUZ CARMEN ANAYA RGUEZ
Se
trata de otra obra perteneciente al Barroco, El Cristo en la Cruz de Zurbarán,
Se trata de óleo sobre lienzo. El cuerpo de este Cristo muerto puede compararse
en igualdad de condiciones al Cristo Muerto de Velázquez, quien estudió al
mismo tiempo que Zurbarán en Sevilla. El pintor recurre a todos los efectos del
caravaggismo, como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco
de luz lateral; esto hace relucir la piel blanca del muerto. Su esquema es en
forma de T que se ve claramente en la cruz de cristo.
JUDITH Y HOLOFERNES CARMEN ANAYA RGUEZ
Se
trata de un óleo sobre lienzo perteneciente al Barroco, de Caravaggio, el
introductor de un nuevo tratamiento lumínico “el tenebrismo”. La pintura
muestra a un general muerto (Holofernes) decapitado por Judit, la mujer que lo
sedujo en menos de una noche. Caravaggio logró dotar a la obra de gran realismo
y crudeza. La escena principal está fuertemente iluminada, sobretodo la figura
de Judith destacando su protagonismo, mientras el resto de la escena se sumerge
en una oscuridad plena. Su esquema compositivo es en forma de aspa que comienza
desde un lateral del cuadro hasta el lateral contrario. Las figuras son muy
realistas, era una característica del autor, la figura de Judith se encuentra
en tensión debido a el acto que está ejerciendo, mientras que la de la anciana
está tranquila esperando a que la joven termine de realizar la acción.
FACHADA CATEDRAL DE
SANTIAGO. Manolo Toro
Nos encontramos ante la fachada de la
Obradoiro, de la Catedral de Santiago de
Compostela, donde se acoge el sepulcro del Apóstol homónimo. Aunque la Iglesia
es románica, la fachada fue realizada en el siglo XVIII, bajo preceptos
barroco.
A la composición de esta obra de arte, podemos aplicarle, según su estructura la inducción perceptiva del cuerpo, donde vemos:
Espíritu: por encima nuestro, dando sensación de ascendencia y movimiento simbólico que realiza nuestra alma a unirse con su Creador
Alma: más alto y dónde nuestra alma entra en contacto con DiosCuerpo: puesto que está en la tierra, es donde nos desplazamos por la vida terrena.
La posición del centro de atención la encontramos en el centro, en
las vidrieras (círculo morado) por lo que la sensación de equilibrio, a esto se
acentúan las líneas verticales y horizontales de la imagen y su simetría axial,
simetría en la que una imagen es idéntica una parte de la otra respecto de un
eje (línea blanca), que en este caso cruza el centro de la imagen, que nos
remite a la misma sensación. 
Dominan
los tonos ocres en la fachada y el azul en el cielo, la textura es geométrica
en su esencia pero orgánica en su ostentación decorativa, propia del periodo
artístico. En los valores denotativos encontramos una iglesia con dos torres,
nave central, puerta de entrada, rosetón, vidriera etcétera y connotativamente
vemos que se hace vertical simbolizando la ascendencia del alma hacia Dios,
esto lo apreciamos sobre todo en las torres.
La estructura compositiva es rectangular,
lo ofrece más variaciones y es más dinámica. Es una estructura estable y más
ágil que cuadrado ya que varía sus efectos según su verticalidad y
horizontalidad. Al ser vertical da sensación de equilibrio y elevación.
Su organización compositiva según los
elementos del lenguaje visual sería simétrica.
Además
de esto, posee la ley de la balanza, ya que el elemento más pesado se contrapesa con las dos torres simétricas, cuyo esquema podemos representar
de la siguiente manera:
EL RAPTO DE PROSERPINA.
Manolo Toro
Nos encontramos ante la escultura del
Rapto de Proserpina, realizada por el escultor y arquitecto italiano Bernini en
el siglo XVIII , realizada en mármol y se encuentra en los Museos Vaticanos.
Según la estructura del soporte podemos aplicarle la función de la gravedad, puesto que dividimos el imagen en gravedad siendo esta la parte en la que se encuentra el perro de tres cabezas y Zeus, y la zona de ingravidez dónde se encuentra Proserpina ya que esta está intentando escaparse y en cierto modo está como volando.
En esta obra artística encontramos 3
centros de atención coma aunque podríamos destacar la cabeza de Proserpina ya
que en el plano la encontramos más cerca. Debido a los tres puntos y a que cada
uno se encuentra en una posición distinta del centro, dota de mucho dinamismo a
la imagen.
Respecto
a la orientación y el equilibrio de la imagen, o mejor dicho de la escultura,
apreciamos varias líneas oblicuas, verticales pero ninguna horizontal además
todas las líneas oblicuas son ascendentes. Lo que hace que la imagen no esté
dotada de equilibrio sino de mucho movimiento.
El color de esta obra es un blanco
marfílico propio del mármol de carrara, la textura es una textura lisa y
orgánica ya que representa rostros de personas y animales.
En el contexto denotativo apreciamos la
representación escultórica del mito griego en el que Zeus rapta a Proserpina
para violarla. Y connotativamente, del autor no dejó escrita ninguna
interpretación pero a mi juicio, creo que podemos dotarla de cualquier valor
connotativo según el contexto, por ejemplo podría simbolizar la lucha del
pueblo por la libertad bajo el abrazo opresor del gobierno, además de miles y
miles de distintas interpretaciones.
En
este caso no apreciamos ningún tipo de simetría ya que el escultor que hizo
está obra la dotó de movimiento haciendo que no fuese simétrica. Tiene una
estructura rectangular o incluso podríamos apreciar una estructura triangular
que iría desde la cabeza de Proserpina hasta la cabeza del perro y el pie de
Zeus.
Además de esto, esta obra se caracteriza
por tener una composición abierta de forma helicoidal ascendente ya que es una
obra en tres dimensiones, esta helicoide comenzaría en el perro siguiendo
cabeza de Zeus, cabeza de Proserpina, para acabar en el brazo abierto de
Proserpina
Por último, la composición de esta obra,
no es simétrica y la vemos como una sola obra, un solo núcleo artístico, que
aunque sean 3 personas, están como si fuesen una sola composición ya que todas
están hechas en el mismo bloque de mármol. Es por esto que al ser un solo
objeto, no podemos aplicarle ningún esquema compositivo.
Es muy difícil encontrarle alguna composición que se ajuste a las que hemos dado en clase, pero si nos esforzamos podremos ver una forma de S
CRISTO DE LA EXPIRACIÓN.
Manolo Toro.
Es ésta una imagen
de Crucificado de 1,79 metros de alto, realizada en pasta de madera y telas
encoladas y policromadas, obra del escultor Marcos Cabrera en
el SIGLO. XVII.
Se
caracteriza y distingue fácilmente por su fuerte contorsión corporal que
muestra en un atrevido escorzo, ofreciendo una dramática línea serpentinatta.
Según las indicaciones preceptivas en estructura del soporte, podemos aplicarle en función del cuerpo la lectura del espíritu, parte superior de la cabeza donde Cristo mira el cielo invocando a su Padre. El alma, siendo esté el cuerpo divino de Cristo y el cuerpo, la parte inferior de la cruz, lo que está tocando la tierra física.
El
centro de más peso visual, sería la cabeza, que se encuentra un poquito más
elevado de el medio del soporte. Esto crea en sanción de estabilidad, esta
sensación se acentúa con las líneas vertical y horizontal de la cruz. También
es verdad que podemos apreciar en el cuerpo de Cristo, una contusión fuera de
lo normal lo que hace que cree líneas oblicuas, produciendo movimiento e
inestabilidad dentro de una cruz estable.
El color predominante es el color ocre de
la piel, además del marrón de la cruz. Resalta sobre el fondo negro los
detalles dorados cómo son las potencias y los remates de la cruz. Presenta una
textura orgánica, al igual que en la cruz, solo que está tiene las vetas
propias de la madera.
El valor denotativo, vemos un hombre
clavado en la cruz, retorciendo su cuerpo en señal de dolor y mirando hacia
arriba como si estuviese hablando con alguien. En el valor connotativo, está
Cristo crucificado en la cruz coma en el momento de expirar su espíritu,
encomendándose a su Padre y pronunciando sus últimas palabras de amor.
Podemos apreciar un poco de simetría
axial respecto a un eje que cruza el medio del deporte, pero esta simetría no es exacta.
El formato es vertical, y presenta una composición cerrada, en forma de triángulo que va desde los pies de Cristo hasta sus manos. La organización de los elementos básicos podemos disponer las en forma de T en la cruz, y en forma de S el cuerpo de Jesucristo.
-
-
-
-
-
En conclusión, este trabajo grupal realizado por Manolo Toro, Magdalena Martínez, Carmen Anaya y Elena Calvo, se basa en analizar la composición de una serie de obras (tres obras cada uno) de los siglos XVII-XVIII que han elegido ellos, coincidiendo con el estilo artístico del Barroco y que se han centrado en los autores (por orden de aparición en este trabajo) José de Ribera, Velázquez, El Greco, Murillo, Rubens, Zurbarán, Caravaggio, (Anónimo), Bernini y Marcos Cabrera.
